Autore: Rob

Senza filtri e senza ipocrisie: è questa l’indole di KINGS, duo formato da Federica Perazzoli e Daniele Innamorato. Entrambi pittori, con sensibilità e poetiche diverse, sono legati da un rapporto di amicizia, vicinanza e scambio da più di vent’anni che li ha portati, nel 2000, a unire i loro percorsi in un progetto parallelo, a quattro mani, in cui arte e vita si confondono. Nasce KINGS come esperimento, divertimento e pratica di incursione nella realtà sociale, colta sempre in flagrante. Un viaggio nei territori marginali e istituzionali – dalla movida notturna dei club alla controcultura dei centri sociali, dal glamour della moda al mondo dell’arte – con un approccio dichiaratamente rude e diretto, erede dell’attitudine punk.
KINGS è un corpo a due teste che fa della fusione tra personalità e immaginari un’arma estetica e politica: una prassi dichiaratamente anarchica, insofferente a regole e a dispositivi di legittimazione culturale. Da qui deriva il rifiuto formale di uno stile che si traduce nella mescolanza fluida ed eterogenea di riferimenti, registri espressivi e linguaggi – fotografia, installazione, collage, sonorità, scrittura e grafica, fino alla realizzazione di fanzine e libri – in un insieme che costruisce un corpus in divenire, di cui ogni singola opera è parte, che si autoalimenta, frammentario e in costante trasformazione, coerente e contraddittorio al tempo stesso.
Anche la provocazione è parte integrante del processo, intesa non solo come volontà di rottura ma piuttosto come apertura di uno spiraglio dove critica e complicità si intrecciano come in FUCK ART COLLECTOR$. La scritta al neon denuncia un sistema in cui l’arte è stata svuotata di senso e valore e sopravvive come status symbol. Se la retorica patinata dell’arte contemporanea viene smontata con ironico cinismo dallo slogan per restituirle un fondo di verità, le parole provocatorie si mettono in mostra come icona, rimettendo tutto in discussione. L’opera così vive della sua stessa ambiguità: è un dispositivo che moltiplica le contraddizioni senza offrire soluzioni, attraversando gli opposti con lucidità e umorismo. Innescando un cortocircuito permanente tra estetica e vita, KINGS sceglie di agire nello spazio incerto e instabile dell’antinomia, sempre a rischio ma con la segreta speranza che, alla fine, “la fantasia distruggerà il potere e una risata ci seppellirà!”.
Rossella Moratto

“L’arte muore nel momento in cui il borghese la compra.”  (Theodor W. Adorno).

FUCK ART COLLECTOR$ abbraccia l’intuizione di Adorno come una critica feroce a un sistema che trasforma l’arte in una merce, in un oggetto di status e investimento. 

FUCK ART COLLECTOR$ è un’opera-manifesto, una provocazione dichiarata contro quella fetta del collezionismo che ha svuotato l’arte del suo senso profondo. L’attacco non è contro il collezionista in sé, ma contro chi compra per status, per speculazione, per investimento. Chi tratta le opere come fossero asset finanziari o loghi di lusso, trasformando l’arte in merce e il gesto artistico in marketing.

Esteticamente ruvida, diretta, figlia di un immaginario punk, FUCK ART COLLECTOR$ è una dichiarazione giocata sul filo dell’ironia. Un’opera che afferma con rabbia, ma anche con lucidità, l’urgenza di recuperare un’arte viva, anarchica, libera dal giogo dell’economia e del branding culturale. Ma come spesso accade nei lavori di KINGS, alla provocazione si affianca il suo opposto: LOVE ART COLLECTOR$, contraltare ironico e ambiguo che chiude il cerchio. Perché sì, amiamo i soldi dei collezionisti – ma solo quando servono a sostenere l’arte, non a soffocarla. Due facce della stessa medaglia, due opere complementari che mettono in discussione ruoli, potere e valori nel mondo dell’arte contemporanea. Senza filtri, senza ipocrisie.

(KINGS)

Federica Perazzoli (1966) e Daniele Innamorato (1969) vivono e lavorano a Milano. Nel 2000 hanno fondato il duo artistico KINGS. KINGS ha esposto in mostre personali e collettive in gallerie, musei e istituzioni in Italia e all’estero, tra le quali: Dancing 30, Galleria Viasaterna, Milano; TRINACRIA, MANIFESTA, a cura di Maria Chiara Valacchi, Palermo; SOUND AND VISION, a cura di Luca Beatrice, Museo della Penna, Perugia; THE BODY OF EVIDENCE, a cura di Mario Casanova, Cact Centro d’arte contemporanea del Ticino Bellinzona, Svizzera; ROCK’N’ROLL, a cura di Marco Scotini, Galleria Artra Milano. KINGS ha realizzato interventi ambientali tra cui MARSELL PARADISE, Milano e NEW MUSEUM, presentata a Isola Art Center Milano e, successivamente, in Triennale, Milano, Museo Pecci, Prato e Macao, Milano.

L’attività di Kings comprende anche la curatela di eventi culturali, artistici e musicali e il magazine indipendente in edizione limitata KINGS-ZINE.

www.kingsart.it
www.instagram.com/kingsart.it/

Sancha presentaThe Specimen, una serie di lavori realizzati con varie tecniche che riflettono sul tema dell’alienazione, mettendo al centro la rappresentazione di corpi non conformi e non binari, descritti con originalità e ironia. Le identità fluide, tradotte in figure liminali e “aliene”, danno forma a un immaginario visivo e narrativo in espansione, che aspira a invadere il quotidiano creando una continuità tra arte e vita. Le sue rappresentazioni dei corpi si accompagnano a una riflessione sulla percezione sociale della diversità e sulle dinamiche di inclusione ed esclusione. Sancha ha sviluppato un universo espressivo articolato che spazia dalla pittura di grande formato alla performance, dalla scultura tessile al video. Le bambole cucite a mano, protagoniste di azioni nello spazio urbano, diventano strumenti di relazione, attraverso cui l’artista esplora anche i temi della cura, della compassione e del sostegno nella sfera intima mentre i grandi dipinti a olio rappresentano corporeità imperfette, ibridate, introducendo la tematica del rapporto con la tecnologia. Il suo lavoro ha la forza e l’incisività per affermarsi nello spazio pubblico, trovando una corrispondenza naturale nella destinazione della vetrina di SUBPLACE, all’interno di una stazione ferroviaria, luogo di transito e di attraversamento, che ben si presta ad accogliere le sue creature ibride, in bilico tra intimità e esposizione, affermazione identitaria e apertura verso l’altro.
Rossella Moratto

La serie The Specimen è stata al centro del mio lavoro durante quest’anno accademico. È nata da dipinti di grande formato che si sono poi sviluppati in altre pratiche: bambole cucite a mano, performance e video con rendering di modelli 3D assistiti dall’intelligenza artificiale. Questa serie esplora il modo in cui percepiamo l’alienazione: chi viene considerato parte integrante e accettabile della vita e chi ne resta fuori? Si confronta anche con i temi del sostegno, della compassione e della cura nella sfera privata, in contrasto con il confronto con lo “strano esemplare” che si trova all’esterno. L’ispirazione è nata dalla mia esperienza di trasferimento in Italia e da come la mia identità queer e trans è stata percepita in questo contesto, ma la serie può essere letta anche attraverso tematiche differenti.
Sento che questo lavoro è destinato a esistere fuori, nel mondo.

(Sancha)

Sancha (Lisbona, 2002) designer e artista non binariə portoghese, esplora le tematiche del genere, della sessualità e del corpo attraverso i media dell’illustrazione, del design, della pittura e dell’installazione con una particolare attenzione a progetti educativi e con uno sguardo attento verso l’attivismo e le lotte per i diritti umani.  Laureatə in Graphic Design alla  Upper School of Arts and Design of Caldas da Rainha nel 2023, attualmente frequenta il biennio di Painting and Digital Art all’ Accademia di Belle Arti di Como Aldo Galli. Ha esposto a ÂNCIA: state-action-consequence – intervento collettivo, Museum José Malhoa (2024) Corpa Sentida, (2024), Vir a Lume – Finalists Exhibition 2023 ESAD.CR (2023) alle quali ha partecipato come artista, organizzatricə e graficə.
www.instagram.com/sancha.mll/

Spesso l’arte offre l’occasione di sperimentare modi di guardare la realtà da angolazioni inaspettate. Ostinatamente in direzione contraria all’ipersollecitazione visiva social-dipendente, Luca Scarabelli restringe l’orizzonte, obbligandoci a rallentare il ritmo della visione per focalizzarci sul qui e ora, sul particolare apparentemente banale e antispettacolare del nostro ambiente quotidiano, quasi invisibile nell’ovvietà della disattenzione. I suoi sono interventi minimi, spostamenti e dislocazioni semantiche, straniamenti sottili: bisogna soffermarsi e concentrarsi, pena il non vedere.

Anche a SUBPLACE, a un primo sguardo, sembra mancare qualcosa: nella vetrina vuota c’è solo un segno, un sottile segmento orizzontale, quasi invisibile, che proietta sul muro bianco l’ombra di una stella. La microscultura si rende visibile solo grazie al suo fantasma. Analogamente alle stelle morte, Anonymous Star è presente in virtù della sua assenza: la sua realtà sta nella sua ombra, che cambia, si sposta e potrebbe anche scomparire.

Scarabelli mette in crisi l’idea stessa di opera come presenza tangibile e autosufficiente per spostare l’attenzione sul regime percettivo che la rende tale. L’opera non si impone allo sguardo, ma al contrario si offre come indizio, come traccia che esiste solo nella relazione mutevole tra luce, spazio (e disponibilità a osservarla). L’esperienza estetica sta sulla soglia sottile tra presenza e sparizione: a suo modo è una forma di resistenza, non per sottrazione ma per discrezione, che riattiva la possibilità di uno sguardo capace di indugiare, di abitare il margine, di cogliere l’inapparente.

Un invito non a vedere di più, ma a vedere altrimenti.
Rossella Moratto

Luca Scarabelli (Tradate, VA,1965). Ha frequentato l’Accademia di Brera di Milano negli anni ’80.  In più occasioni l’interesse per l’operatività degli artisti lo ha portato a collaborazioni ed attività curatoriali, a confrontarsi con il sistema dell’arte come organizzatore di mostre e d’iniziative editoriali. Dal 1994 al 2009 promuove il progetto “Vegetali Ignoti” dedicato alla lettura, esplorazione e in generale ai “rumori” indipendenti dell’arte contemporanea. Dal 1998 al 2009 per la rivista Juliet art magazine, è autore della rubrica di critica sociale sull’arte contemporanea “Casi Umani”. Nel 2010 pubblica per Postmediabooks il volume “Vegetali Ignoti”.  Nel 2014 con Michele Lombardelli avvia il progetto di sperimentazione sonora e performativa “Untitled Noise” con la pubblicazione di quattro album e numerosi live set. Nel 2014 fonda lo spazio espositivo “Surplace” a Varese attivo fino al 2022 con una gestione condivisa, da cui è nato “Surplace_ operative space” l’attuale progetto curato da Scarabelli e il foglio di critica “Strabismi”.

La sua prima mostra è del 1990, nello spazio di Care Of, nella sede storica di Cusano Milanino ai confini di Milano. Recentemente ha esposto presso: Fondazione A. Pini, Milano; Fondazione Galleria Milano, Milano; Fondazione Sabe per l’Arte, Ravenna; Spazio C.O.S.M.O, Milano; Fondazione Bandera per l’arte, Busto Arsizio (VA).
www.lucascarabelli.it

www.instagram.com/studioscarabelli/

Fuori dal corpo, oltre il corpo: organi e viscere che, cresciuti ipertroficamente, abitano il mondo. Sottratti alla finalità gerarchica dell’organismo, gli organi si emancipano dalla loro funzione per svilupparsi autonomamente, eccedendo se stessi. Non sono frammenti né scarti ma nuove individualità sessuate e sensuali, cariche di potenzialità sovversive inespresse: sono truccate, con unghie affilate e hanno bocche, orifizi, lingue. Dichiarano una volontà di seduzione. Aspirano a nuove connessioni e relazioni.

Liberi, senza struttura, senza corpo (ma memori del corpo senza organi artaudiano), gli Strani corpi stranieri di Camilla Marinoni si impongono come presenze autonome, estranee a sé e agli altri. Il titolo è una citazione di Jean-Luc Nancy, per il quale il corpo è sinonimo di esistenza: è luogo in cui la realtà accade, l’unico spazio che veramente appartiene a ciascuno. “Il mio corpo è il tutto in un frammento irriducibile, è l’unico spazio che mi appartiene in cui voglio poter essere” afferma l’artista. Il corpo è quindi materia prima, elemento centrale e costante nel lavoro di Camilla Marinoni: finora legato alla dimensione individuale e biografica dell’autoritratto, in queste sculture, in cui l’artista prescinde da sé stessa e scava in profondità fino a scoprire le viscere, si affranca da ogni riferimento e rivendica la sua pura “esistenza locale” (Nancy), al tempo stesso familiare e aliena. Organi come organismi, dotati di una inedita e atemporale bellezza oscillante tra attrazione e repulsione, che rimandano all’inquietante fascino delle raffigurazioni anatomiche a cui l’artista si è ispirata. La scultura si fa strumento di emancipazione dissolvendo e ricomponendo il corpo, non più organismo ma materia in continua mutazione, aperta a nuove possibilità di esistenza.

Rossella Moratto

Camilla Marinoni (1979) è un’artista visiva. Vive e lavora in Italia. Nel 2003 si diploma in Scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano e nel 2007 consegue, presso la stessa accademia, il diploma specialistico in Arte Sacra Contemporanea. Nel 2007 partecipa al Corso d’eccellenza di Scultura, Gioiello e Design presso il Centro TAM di Pietrarubbia (PU) nelle Marche, presieduto da Arnaldo Pomodoro e con la direzione artistica di Nunzio di Stefano. Qui, inizia a focalizzarsi sul corpo come mezzo espressivo con cui far dialogare sculture e installazioni. Nel 2018 approfondisce la tematica sulla performance partecipando al workshop “Teoría y practica del Performance Art” presso FactoriaLab di Madrid con l’artista Abel Azcona e nel 2019 al workshop “Free unicorn” presso la GAMeC di Bergamo con l’artista/attrice Chiara Bersani.

www.camillamarinoni.com
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Un pilastro ornamentale, un tempo parte di una costruzione eclettica ormai in disuso, giace a terra: irriconoscibile, senza più funzione né storia si offre agli astanti come ennesima testimonianza della continua costruzione e distruzione del paesaggio antropizzato. È una delle lesene del cosiddetto “Minareto”, l’edificio arabeggiante della “Citta dei Balocchi” di Consonno, villaggio sorto nella Brianza del boom economico negli anni Sessanta come luogo di divertimento, abbandonato nel 1976. Uno spettacolare reperto senza storia, una maceria di una società che «non ha più il tempo di produrre rovine» né monumenti della memoria, ma solo scarti, come affermato da Marc Augé. Questi spazi e strutture si trasformano rapidamente in rifiuti nel ciclo incessante di distruzione e ricostruzione, guidato dall’urgenza di rinnovamento, che priva il paesaggio antropizzato di qualsiasi permanenza. Gli spazi residuali, abbandonati e non più economicamente appetibili, si trasformano in terrain vague di incompiutezza, dove il concetto stesso di durata si fa obsoleto.

Zancana esplora questa complessa interazione tra uomo e ambiente con un’analisi critica degli oggetti di uso quotidiano. Elementi comuni, privati di valore intrinseco, vengono trasfigurati in artefatti progettuali che assumono l’estetica di icone pubblicitarie, esprimendo un’ironia sottile ma acuta nei confronti della società iperconsumistica.

La ricerca visiva di Zancana, collocata al confine tra grafica, arte e design, gioca sull’ambiguità dell’immagine e sulla sua possibile dualità interpretativa. Nella rappresentazione della lesena orientaleggiante, la fotografia viene stampata su vetrofania semitrasparente e animata da proiezioni di luce che attraversano il supporto, rivelando variazioni di colore e dinamismo che conferiscono all’immagine una dimensione onirica. Le luci Red Green Blue – rosso, verde e blu – si alternano, tingendo l’immagine e trasformando lo schermo nella sua anima pulsante. Questo gioco di trasparenze e interazioni luminose crea un’esperienza visiva carica di nuove suggestioni, oscillando tra il reale e l’illusorio.

Rossella Moratto

Vincenzo Zancana (Salemi, 1991) si forma tra l’Accademia di Belle Arti di Palermo e l’Accademia di Brera. Dopo la residenza d’artista presso l’Escola Massana di Barcellona nel 2016 frequenta il Master in Printmaking alla Royal Academy di Anversa. È stato Artista finalista per il Premio ORA (2017), Premio Nocivelli X- XI, e Biennolo – Paesaggi Inimmaginabili (2020). Dal 2018 è co-fondatore del progetto di arte ambientale Chárōn, esposto a spazio SERRA (Milano, 2018), Kunstschau (Lecce, 2021) e Spazio Lampo (Chiasso, 2023). Nel 2020 svolge la residenza d’artista presso via Farini in Residence a Milano. Nel 2021 è stato invitato al progetto VuotoApparente, esponendo presso il Teatro degli Arcimboldi. Attualmente lavora a Milano presso lo studio TRETRE di ViaFarini.work.
www.vinzancana.com/
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Il lavoro di Jacopo Benassi, artista e fotografo, è un costante esercizio di crudeltà che si sviluppa in un continuo e radicale confronto con il reale, senza mediazioni, spesso attraverso l’uso di strumenti minimi come il flash della fotocamera e il bianco e nero, creando un linguaggio visivo crudo, diretto e spoglio, potentemente evocativo. L’attitudine punk degli esordi si manifesta nel sovvertimento estetico della rappresentazione che tende a farsi registrazione – e rivelazione – dell’esperienza dell’esserci. Casualità, impeto, vulnerabilità e marginalità sono gli ingredienti di una pratica che utilizza indifferentemente immagini, video, installazioni e performance, collocandosi in un territorio liminare e fluido, perennemente sfuggente.

Sàlvati Salvàti è un’opera simbolica: una bandiera che idealmente sventola su una barricata. Il drappo evoca immagini di resistenza e ribellione, richiamando alla mente opere come La libertà che guida il popolo di Eugène Delacroix, in cui la figura della Libertà, eretta su una barricata, conduce il popolo in battaglia. Qui, però, la bandiera di Benassi si carica di un significato differente: non è solo un simbolo di lotta, ma un invito a salvarsi dai conflitti perpetui che caratterizzano il mondo contemporaneo. La barricata non è più soltanto uno spazio fisico di scontro, ma diventa un limite mentale da oltrepassare, un baluardo contro le divisioni e le tensioni. L’opera allude all’arte come spazio liberato dove il pensiero e l’azione si svincolano dalle pressioni esterne e dove è possibile ricostruire una nuova idea di comunità. La bandiera, in questo contesto, assurge a simbolo di appartenenza al luogo comune dell’immaginazione e della creazione.
Rossella Moratto

Jacopo Benassi (La Spezia, 1970) è fotografo, musicista e artista. Autodidatta, ha sviluppato un approccio fotografico unico, caratterizzato dall’uso di luci forti e dalla rappresentazione senza filtri della realtà. Esplora temi come l’identità, la vulnerabilità, il corpo umano e la sessualità, con incursioni nel mondo underground, partendo dall’esperienza del B-Tomic, club gestito dallo stesso artista assieme ad alcuni amici a La Spezia, dove hanno avuto luogo live shooting, performance, concerti ed eventi. Benassi ha al suo attivo numerose collaborazioni con registi musicisti e scrittori e riviste italiane e internazionali. Nel 2011 ha fondato la Talkinass – Paper and Records etichetta che ha prodotto magazine e CD di artisti underground. Ha esposto in importanti gallerie e musei in Italia e all’estero.
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Mattia Riccardo, che si distingue per il coraggio di descrivere con energia e immediatezza la scena “rave” giovanile, rivelandone anche gli aspetti più trasgressivi ed estremi, inclusi il disagio, il dolore dei giovani e il consumo di sostanze. La sua pittura è la metafora di un certo nichilismo giovanile, condizione condivisa da molti ragazzi e ragazze che vivono in un presente distopico senza futuro, nel “Qui e Ora”, come suggerisce il titolo della sua serie. La sua pittura cattura l’attimo e coinvolge lo spettatore senza filtri, descrivendo le scene con un realismo espressionista.

L’opera nasce da una connessione intima con il mondo dionisiaco, abbracciando gli aspetti più nichilistici della vita. In un futuro incerto, mi immergo in una realtà in cui questo sentimento è amplificato e predominante.

La pittura diventa uno strumento per elevare momenti di vita nascosti e fugaci, scene che accadono tra i parchi dei condomini milanesi. Attimi di epifania che mi trasportano in un mondo in cui ogni gesto a cui assisto acquista un senso e una misticità e diventa un’azione grandiosa.

Il rave come punto di partenza di un futuro frammentato, parlando sia agli individui che al collettivo. Pennellate audaci e urgenti trasmettono l’immediatezza dell’espressione, che brama la restituzione sulla tela alla stessa velocità con cui i ragazzi consumano la loro giovinezza e le droghe sintetiche. I dipinti, tratti da un ciclo di opere intitolato Qui e Ora, derivano principalmente da fotografie che scatto durante le feste, che poi elaboro attraverso il medium pittorico. L’opera parla di rivendicazione di spazi che diano voce al mondo underground, al disagio sociale. La distorsione del corpo come resistenza a un mondo convinto di mostrarci la verità delle cose aumentando la risoluzione dei teleschermi e riducendo la visione sul mondo. Nessuno conosce il mio segreto.
Mattia Riccardo

Si ringraziano i writers Stef, Virgy, Sminchio Rizzi, Matteo, Cesare, Marco, Soda, Silvio, Giuse per l’intervento site specific sulle pareti di SUBPLACE

Mattia Riccardo (Chiavenna, 2002) si diploma al liceo Artistico di Morbegno nel 2021. Attualmente frequenta l’Accademia di Belle Arti Aldo Galli di Como. Ha vinto le prime due edizioni del Premio Aldo Galli, curate da Roberto Borghi, ha collaborato con il gruppo di Como Contemporanea esponendo in occasione della mostra Foreverr nel 2023, ha esposto al Tempio del Futuro Perduto all’evento Techno+Sex, curato da Stella Carta nel 2024.
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Tutti giù per terra, a guardare il mondo da sotto in su. Vanni Cuoghi ci fa lo sgambetto per darci l’opportunità di adottare un altro punto di vista, inedito, sulla realtà. L’abbandono dello sguardo antropocentrico, dall’alto, ci spalanca un nuovo mondo o, meglio, ci riporta a quello dimenticato dell’infanzia, risvegliando il senso di meraviglia per il quotidiano che la razionalità adulta sembra avere offuscato e che possiamo ritrovare solo nei giochi dei bambini, nella finzione del teatro,  nell’ironia, nel sovvertimento della logica e quindi nell’arte come ambito libero di immaginazione. Basta un cambio di scala oppure l’associazione di due oggetti tra loro estranei per creare dei luoghi immaginari e (im)possibili: «Ho sempre dipinto tutto ciò che avrei voluto vedere e che mancava al Mondo». E infatti Cuoghi mette letteralmente in scena la pittura: realizza bozzetti e teatrini all’italiana costruendo, con un’attitudine surrealista e divergente, erede dello sguardo di Bruno Munari, delle vere e proprie scenografie fatte di frammenti, citazioni dalla storia dell’arte e figure che, nelle piccole dimensioni, evocano la spazialità del teatro barocco.  Apparentemente leziosi, questi diorami – e analogamente le carte e i dipinti – sono canovacci in cerca di autori che, ispirati dai dettagli, si cimentino nell’improvvisare storie capaci di trasformare l’ordinario in straordinario e risvegliare la meraviglia che, per Cuoghi, è il fine ultimo dell’arte. E lo fa anche qui, ingrandendo delle tavole dipinte che diventano le quinte di una scena in cui noi, resi di conseguenza piccolissimi come lillipuziani, siamo immersi in un paesaggio ipertrofico dove l’orto domestico può trasformarsi in una foresta che dobbiamo attraversare per prendere il treno. Una pittura che fa ancora i conti con la realtà ma, mettendola in scena, ne riscatta la mediocrità grazie alla sua capacità di suscitare lo stupore originario – la meraviglia, appunto – che manifesta il lato inaspettato, inusuale, sorprendente e abitualmente non visibile di ciò che già conosciamo.

Rossella Moratto

La frase virgolettata è di Vanni Cuoghi

Appunti per la (ri)costruzione di un nuovo paesaggio, ovvero: 

La messa in scena della Pittura. 

È iniziato tutto diversi anni fa quando, durante le passeggiate serali nel mio quartiere, mi capitava di rimanere incantato, davanti in queste “scenografie” inconsapevoli: cataste di mobili smontati che attendevano il ritiro da parte dell’ AMSA (nel migliore dei casi). 

Erano piccoli Merzbau che mi raccontavano molte storie. 

 “Vogliamo che la strada entri nella casa…” si augurava Umberto Boccioni, beh qui accadeva il contrario: poltrone, divani, interi armadi smontati, letti, lavatrici scendevano sul  ciglio del marciapiede, questo diventava scena e  ogni passante un possibile attore. 

Io ero l’unico spettatore per cui si compiva  il grande spettacolo. 

Ho pensato che, se ci avessi messo dei soldatini, sarebbero stati luoghi di battaglie epiche fantastiche. Poi ho immaginato di dipingere questi paesaggi.  Ho iniziato  a prendere appunti e a fare delle fotografie con lo smartphone. 

In studio ricreai quei mondi in miniatura e, dopo aver ritagliato  delle  quinte fatte con immagini strappate dalle riviste,  le incollai su cartoncino e   le posi sulla tastiera del Mac. 

Lo schermo acceso diventò il fondale e il riflesso della lampada da tavolo una luna. Una tragica notte mi apparve in pochi centimetri quadrati. Bastò dipingere una ragazza in attesa, seduta sul bordo del mio computer e il gioco del teatro era fatto… 

Quando studiavo scenografia realizzavo il bozzetto che sarebbe poi divenuto scena. Lo spazio, nell’essere agito, diventava anche vissuto. 

Adesso faccio il contrario: realizzo (sulla scrivania) la scena, la compongo con quinte di cartone ritagliate e poi la rappresento pittoricamente su tela. 

Il moto del gambero è diventato  un modo diverso di agire e immaginare. 

Ho sempre dipinto tutto ciò che avrei voluto vedere e che mancava al Mondo. Se una cosa non esiste… me la fabbrico. 

Mi piace l’idea romantica che la Pittura faccia ancora i conti con la rappresentazione della realtà. Si tratta di capire che “tipo” di realtà e in che modo. Credo che “la mossa del cavallo “ sia la strada percorribile e la scena di un teatro l’unica  a cui far riferimento. 

Questi paesaggi dipinti sono (stati) reali come dei piccoli presepi. L’invenzione è nella messa in scena, non nella rappresentazione. Mi piace ricreare un paesaggio effimero che dura il click di uno scatto fotografico e prolungare , nel tempo, il ricordo di ciò che è stato con la Pittura. 

Non è forse nato così il Mito? 

Non è ciò che è avvenuto, ma le modalità con cui è  ricordato che lo rendono eterno.
Vanni Cuoghi

Vanni Cuoghi (Genova, 1966), vive e lavora a Milano. Ha partecipato a numerose biennali in Italia e all’estero, tra cui la Biennale di Praga (2009), la 54 Biennale di Venezia, Padiglione Italia (2011), la Biennale Italia-Cina (2012), la 56 Biennale di Venezia, Italia Docet (2015) e la Biennale del Disegno, Rimini (2024). Tra le mostre personali si ricordano Novus Malleus Maleficarum, San Pietro in Atrio (2011), Pinacoteca Palazzo Volpi, Como (2011), Aion, Musei Civici Cremaschi (2013), Da Cielo a Terra, Museo Ebraico di Bologna (2016), The Invisible Sun, Museo Francesco Messina, Milano (2017), Apnea, Villa Reale di Monza (2020), Submariner, Civico Acquario di Milano (2021). Ha esposto in mostre internazionali tra cui a Pechino e a Shangai (2008), al Museo d’Arte Contemporanea di Permm, in Russia (2010), Vestfossen Kunstlaboratorium  Museum in Norvegia (2018). Tra le collettive in Italia ricordiamo le recenti “Eccentrici, apocalittici, pop. Inferno e delizia nell’arte contemporanea.” alla Galleria Civica di Trento (2022) e Interaction presso la Fondazione Made in Cloister a Napoli (2024). Ha collaborato con  importanti aziende di design. È docente di pittura all’Accademia di Belle Arti Aldo Galli di Como.

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Maciste ci guarda, solenne e ieratico, contemporanea erma a protezione dei passanti. Un’effige potente che viene dal passato ma che osserva con occhi vivi, il volto segnato dal tempo, sopravvissuto a mille battaglie. Il dipinto è un teatro di guerra e in guerra non c’è esclusione di colpi: Maciste, il gigante buono, è in perenne lotta contro tutti ma soprattutto contro se stesso: è l’artista in stato di costante tensione creativa per arrivare a dar vita all’immagine, sintesi perfetta dell’idea.

In guerra, come in amore, tutto è lecito e così Mattia Barbieri va a mano e a mente libera: nella stessa tavola mescola i colori, stesi a pennello, spatola, dita e rulli, utilizza tecniche e registri diversi, fa incursioni nella storia dell’Arte prendendo in prestito iconografie, cita, inventa e giustappone riferimenti lontani, incongrui, dipinge quadri nel quadro. E lo fa naturalmente, senza apparente fatica e senza indecisione, con grazia anzi con “sprezzatura”, come avrebbe scritto cinquecento anni fa Baldassare Castiglione, e il rimando non è forzato perché l’arte è sempre contemporanea: dipingere, scolpire, disegnare significa parlare del mondo in una lingua sempre nuova, autonoma, che si ricrea continuamente sulla tradizione, come afferma l’artista: «La pratica artistica è come un dialetto, una lingua a parte che possiede una propria grammatica e risponde solo a se stessa». Ogni quadro è potenzialmente infinito, un’opera aperta il cui significato è sulla tavola, e la pittura è «oggetto e soggetto di se stessa e il messaggio primario è puntualmente il “come” si palesa agli occhi». 

Qui il riferimento è all’antico, alle sculture greche e romane ma anche, andando più indietro, alle incisioni rupestri e, facendo un viaggio nel tempo fino a oggi, ai manga e alle immagini digitali. La figura emerge con forza perché è quasi scolpita sulla tavola che diventa intonaco grezzo ai lati e la cui superficie è dipinta, graffiata e incisa, spruzzata come un graffito metropolitano che sembra strappato da un muro: una pittoscultura da percorrere con lo sguardo per il  puro piacere del vedere, seguendo i percorsi della mano e le tracce della spatola che scavano le curve sinuose di paesaggi visti a volo d’uccello, i riempimenti di colore e i colpi di pennello blu e gialli che alludono a cieli profondi e a giornate assolate.

Una stratificazione complessa che si fa figura: Maciste, eroe di dannunziana memoria, diventa un’icona, brillando letteralmente di luce propria che, come un’aureola, si percepisce nel sottile bagliore arancione che emana dalla sommità del quadro. È la celebrazione della laica sacralità della pittura, che è «il serbatoio all’interno del quale tutto confluisce: conoscenza e interessi, barzelletta e preghiera, lotta e pacificazione, introspezione ed esplorazione del mondo esterno».

Rossella Moratto
Le frasi virgolettate sono di Mattia Barbieri

Mattia Barbieri, artista, si diploma in Arti Visive all’Accademia di Belle Arti di Brera. Dal 2006 espone in mostre personali e collettive in Italia e all’estero. Nel 2010 partecipa alla Biennale di Mosca presso il Winzavod Contemporary Art Center; nel 2012 è vincitore del Primo Premio Pittura del Museo di Lissone; durante Expo Milano 2015 collabora con Progetto Città Ideale, esponendo e curando un ciclo di eventi artistici presso la Sala delle Colonne della Fabbrica del Vapore a Milano. Sono del 2017 e del 2019 i solo show presso la Pablo’s Birthday di New York e, nel 2022, Santuario Tropical presso la Galleria Rizzuto. Ha al suo attivo partecipazioni a premi e residenze internazionali e progetti curatoriali. Numerose le mostre in spazi pubblici e privati, in Italia e all’estero, tra cui ricordiamo: Spazio Contemporanea e Palazzo Martinengo di Brescia; Rizzuto Gallery, Palermo; Studio la linea Verticale, Bologna; Pablo’s Birthday Gallery e The Border, New York City; Fondazione del Monte, Bologna; MAC (Museo Arte Contemporanea) di Lissone; Winzavod Art Center, Mosca; Federico Luger Gallery, Milano e tante altre. È membro attivo della rivista d’arte E IL TOPO.
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Tutto parte dal gesto: un atto spontaneo, solitario e privato. Una ribellione personale: stracciare le pagine di un libro di dattilografia degli anni Sessanta che Francesca Mussi – artista e anche insegnante – compie come atto di contestazione  verso l’istituzione scolastica attualmente gravemente in crisi e alla ricerca di un nuovo ruolo.

Il corpo è la “matrice” del lavoro dell’artista, un corpo che agisce e allo stesso tempo si sottrae. La Never Seen  o Unseen performance viene ripresa, quasi spiata, dalla videocamera e riprodotta manualmente attraverso la stampa serigrafica più e più volte: nei diversi passaggi l’immagine perde progressivamente definizione e l’inevitabile lost in translation della stampa incisoria dà luogo a una sfocatura che conferisce all’esperienza individuale una dimensione universale.

L’immagine diventa imprecisa, indistinta come un ricordo che può appartenere a chiunque abbia compiuto un simile gesto nei banchi di scuola. Lo spunto autobiografico è però solo un pretesto che, come sottolinea il titolo dell’installazione “Tutto sbagliato”, rimanda alla necessità di ripensare totalmente il sistema di trasmissione del sapere e alla inevitabilità di una sua trasformazione radicale. Insegnare è anche un atto performativo che, come scrive bell hooks in Insegnare a trasgredire, «rende possibili le trasgressioni – un movimento contro e oltre i confini – per poter pensare, ripensare e creare nuove visioni. È quel movimento che rende l’educazione la pratica della libertà».

Rossella Moratto

Francesca Mussi (1992) è un’artista visiva con base a Milano. Ha studiato Arti Visive all’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano, e alla University of Leeds (UK). È specializzata in diverse tecniche di stampa tradizionali e sperimentali su carta ma lavora anche con installazioni, oggetti tridimensionali e progetti site-specific. Nel 2018 ha co-fondato il progetto di arte ambientale Chàrōn, è la co-fondatrice del collettivo Bidet à Boire e ha collaborato per Passage, un progetto di residenze d’artista a Bergerac (FR) nel 2016 e 2018. Nel 2015 ha co-fondato Landskap, un’associazione culturale che aveva sede a Milano. Insegna attualmente Arti Grafiche al Liceo Artistico Nanni Valentini di Monza. Alcune delle mostre alle quali ha partecipato sono Negus  a Spazio Lampo di Chiasso (2023), Il Movimento delle Mandibole, Oase, Rottedam (2022), Deriva, Basilica di San Celso, Milano (2018), You Are the Same as Me, Torino, (2021), Le Forme degli Atrezzi, Fondazione Pietro Leddi (2020).

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Rigore geometrico e sensibilità si fondono nell’opera di Monica Mazzone. L’artista ha scelto un linguaggio logico come strumento per ordinare visivamente l’esperienza concreta dell’incontro tra sé e il mondo. La sua è una geometria sensibile, fatta di solidi disegnati a mano in proiezioni assonometriche, così come a mano in progressive e impalpabili velature è steso il colore che controbilancia la severità del segno alla ricerca di un’armonia tra emotività e razionalità. Utilizzando scultura e pittura, tra le quali c’è un’assoluta soluzione di continuità, Monica Mazzone sublima nell’astrazione geometrica la relazione che lega indissolubilmente il suo corpo all’ambiente. La costruzione formale dà ordine alla casualità dell’esistente e alle emozioni in una inesauribile tensione verso un’ideale di perfezione che, per l’artista, coincide con l’aspirazione a una dimensione spirituale, intesa in una prospettiva laica di conciliazione degli opposti. Intento che si esplicita nel titolo scelto per l’opera qui esposta “Sono l’aquila che apre le porte”, una citazione dalle metafore tradizionali tibetane, che allude al passaggio ultraterreno: l’aquila e il colore verde sono entrambi simboli di rigenerazione e rinascita. L’opera, olio su tavola incastonato in una cornice di alluminio, richiama le tradizionali edicole votive (un ricordo infantile dell’artista) che storicamente costellavano il territorio urbano e rurale, emblema di una religiosità diffusa e condivisa, ma anche segni riconoscibili di orientamento nel paesaggio erratico. Anche il contemporaneo tempietto di Monica Mazzone, presenza desueta e quasi incongrua nel mezzanino della stazione ferroviaria, si pone come un elemento che apre un varco verso una dimensione contemplativa nella frenesia del passaggio, un segno di riconoscimento che apira alla riappropriazione di un nonluogo.

Rossella Moratto

Monica Mazzone (Milano, 1984) vive e lavora tra Milano e New York.Consegue la laurea in Arti Visive-Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera e in seguito all’Istituto Europeo del Design. Espone in spazi pubblici e privati, in Italia e all’estero, e ha al suo attivo partecipazioni a premi e residenze internazionali e progetti curatoriali. È inoltre membro attivo della rivista d’arte E IL TOPO. Geometria Emotiva, così nomina la sua intera ricerca, è un’indagine riguardo l’idea di poter percepire e tradurre visivamente l’ossessione per la perfezione intendendo la geometria come principio regolatore dell’atto creativo per poter razionalizzare le proprie emozioni e comprendere gli accadimenti del mondo. Lavorando nello spazio liminale fra pittura e scultura crea strutture spaziali percepite come parte di un ritmo, implicando il corpo e le sue proporzioni, e imposta un metodo per indagare la spiritualità e la consapevolezza strettamente correlato ad un approccio sentimentale. Tutti i suoi lavori sono eseguiti a mano dall’artista stessa. Le recenti mostre personali e collettive includono: NARS Foundation New York, Contemporary Cluster Roma, Spazio contemporanea Brescia, MASS MoCA North Adams, Museo Temporaneo Navile Bologna, Manuel Zoia Gallery Verona–Milano, Index Art Center Newark, Lac o le Mon Foundation Lecce, Museo di Arte Contemporanea del Sannio Benevento, La rada Foundation per l’Arte Contemporanea Locarno, The Border New York, Palazzo Reale Milano, Studio Maraniello Milano, Mars Milano, Giuseppe Pero Gallery Milano, Arthur Cravan Foundation Milano, Fabbrica del Vapore Milano, Merkur Gallery Istanbul, Fondazione Bandera per l’Arte Contemporanea Busto Arsizio, Palazzo Isimbardi  Milano, Palazzo Lombardia Milano, Museo di Arte Contemporanea Lissone, riss(e) Varese , Museo Internazionale della Ceramica Laveno, Villa Contemporanea Monza, Palazzo Re Giulianova, Spazio Thetis Arsenale Venezia, Satzyor Gallery Budapest.
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Giacomo Spazio è grafico, musicista, produttore, giornalista e artista. La sua creatività travalica la specificità dei linguaggi e il suo modus operandi rimanda alla musica e alla pratica del campionamento. Un cut&mix&paste di riferimenti complessi: i suoi squillanti dipinti sono un incrocio bizzarro di cultura pop, poesia e controcultura punk. Questo miscuglio ibrido di codici stilistici, originato per lo più da foto che lui stesso scatta a libri, fumetti, giornali, muri di strada, copertine di dischi, rende il suo lavoro stratificato di sottili citazioni che immediatamente sorprendono per la loro forza comunicativa, ma subito dopo fanno emergere una poetica a volte candida, mite, altre volte, cinica e spregiudicata, ma sempre in grado di porre in discussione la nostra percezione della realtà. Nonostante siano passati oltre 30 anni dall’inizio della sua attività il segno e la parola rimangono ancora la forza trainante dei suoi lavori.
Rossella Moratto

«Da sempre la parola è un elemento distintivo del mio lavoro e, in questo caso specifico, addirittura travalica l’idea stessa di quadro, precipitando, grazie alla possibilità offerta dalla tecnologia, verso una Enciclopedia dell’arte moderna, la mia personale enciclopedia e, per estensione, l’enciclopedia di ognuno.  Per creare questa semplice scrittura complessa, ho lavorato solo con elementi recuperati dalla metà degli anni ’70 ad oggi. Li ho arbitrariamente prelevati dal cinema, dalla musica, dall’arte pop, dai videogiochi e molto spesso anche dalla strada. Passando impunemente dal lettrismo, al punk, dal post-situazionismo all’Hip-Hop. Questo potente mix di linguaggi oggi gioca con la memoria del fruitore e mette in atto la sua potenza pervasiva, creando rimandi estetici in grado di formare automaticamente ricordi emotivi attraverso la sua visione. Se molti artisti guardano al passato remoto per avere una continuità artistica, il mio sguardo appartiene ad un ad un passato che è ancora vivo e presente e che a volte appartiene al giorno prima.

Questo lavoro potenzialmente è infinito ma per il momento è sviluppato in 50 pezzi –di cui quattro qui in mostra – per una lunghezza totale di 15 metri per 1,20 di altezza. È stato ispirato dalla canzone ‘Lungo i bordi’ del gruppo art-rock Massimo Volume».   

Giacomo Spazio

Giacomo Spazio ha iniziato giovanissimo la sua carriera artistica creando performance e scrivendo poesie, utilizzando la strada e i suoi muri come luogo ideale per esprimersi, passando poi solo in un secondo tempo alla pittura.

Come artista ha esposto in gallerie, musei e spazi no profit in Italia e in Europa. Tra le personali It Only Happens in NoLo, City Art Gallery, Milano (2016); Second-hand Poetry, Derbylius Gallery, Milano (2015); Part Time Poet, Humus Dance, Mendrisio, Svizzera (2014); To Be With You Is All I Need,  Open Walls Gallery, Berlino (2013); As Loud As Possible, XLab Corrosive Art Farm, Berlino (2010). Tra le collettive Illusione Collettiva, Spazio Po 25, Torino
(2022); Reality 80, Palazzo delle Stelline, Milano (2019); Post Machina, Centro Mascarella Arte, Bologna (2018); On The Streets, Upperplot, Ibiza (2018); Xmas in Art, Key Gallery, Milano (2017); Cross the Streets, Museo MACRO; Roma (2017); 1000 modi di morire, Santeria Social Club, Milano (2017).
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Piante, foglie e fiori: frammenti di natura in un interno. Una tenda fa da sfondo a un dipinto: un ambiente domestico paradossalmente in vetrina, uno spazio privato messo alla ribalta del pubblico passaggio. Non sappiamo cosa accadrà, vediamo solo la scena: un idilliaco fondale di fogliame che si intravede dietro la tenda, fiori rosa in primo piano.

La natura sembra essere protagonista per Francesco Ciavaglioli che la elegge a soggetto prediletto e pretesto per l’esercizio di una pittura che, nonostante l’apparente legame con la tradizione, è assolutamente figlia del nostro tempo. Una natura “umana” come l’artista stesso la definisce perché riprodotta e ricreata dall’uomo e mediata dalla tecnologia digitale. Le piante, le foglie e i fiori di Ciavaglioli non sono esempi dell’immensa e sorprendente varietà delle specie vegetali raffigurate nell’inesauribile sforzo di classificazione dell’illustrazione botanica ma sono dettagli sintetizzati graficamente in eleganti figure bidimensionali, replicate serialmente fino a formare una inedita flora, un paesaggio artificiale addomesticato e modulabile che sottintende criticamente l’attitudine dominante e predatoria dell’uomo sulla natura. Ma Ciavaglioli riflette soprattutto sullo specifico della pittura che, apparentemente mimetica, si pone al limite della figurazione mettendo in questione il significato stesso della rappresentazione. Il vero soggetto è la riproducibilità dell’immagine che, nell’infinita inflazione dell’identico, esprime da un lato la tensione verso la dissoluzione per eccesso e dall’altro il desiderio di un impossibile tentativo di appropriazione che possa fermarne l’inevitabile transitorietà.

La natura lascia quindi il primo piano e diventa sfondo, una carta da parati intercambiabile, scenario di vicende altrettanto intercambiabili di una commedia quotidiana in cui tutto sembra scorrere come queste immagini raffinatissime, seducenti metafore della condizione umana contemporanea.
Rossella Moratto

Un Paesaggio interiore nello spazio pubblico. L’installazione prevede l’uso della vetrina di SUBPLACE come spazio scenico. L’allestimento è una sintesi di una piccola scena nella quale il mio lavoro si struttura in un ambiente tendenzialmente domestico creato da una grande tenda a parete e un quadro appeso davanti. Il motivo dipinto sulla tenda si ferma sospeso tra uno scorcio naturale e un pattern decorativo prima che tutto ceda nella trama del tessuto.

La riflessione parte dall’idea che talvolta nello spazio pubblico assistiamo all’intrusione della dimensione privata. Una telefonata con un tono di voce decisamente alto si insinua nei nostri viaggi o soste, una coppia litiga e al nostro passaggio captiamo uno spaccato quotidiano, intimo.

È quando un dolore o una passione preme così forte da rompere gli argini del comune senso del pudore e ci si rivela senza filtri, puramente umani.

Il mio lavoro così si presenta come una scenata che sfida la discrezione dei passanti.”

Francesco Ciavaglioli 

Francesco Ciavaglioli (Avezzano 1983) vive e lavora tra Milano e Roma. Si è diplomato in pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Perugia. Ha esposto in mostre personali e collettive in gallerie, istituzioni, spazi indipendenti e rassegne tra cui: Palazzo Martinengo (Brescia, 2021- 2022), Museo Diocesano (Brescia 2021), Candy Snake Gallery (Milano, 2021), Perugia Social Film Festival (2020), Fondazione Pastificio Cerere (Roma, 2019), Dancity Festival (Foligno, 2017), Straperetana (Pereto, 2017), Contemporary Cluster (Roma, 2017), American Academy in Rome (Roma, 2015), Galleria Est291(Roma, 2014), Palazzo Lucarini (Trevi, 2014). Ha preso parte a diverse residenze artistiche tra cui: Art Sweet Art (Arezzo- Varese, 2016 /17), Bocs (Cosenza, 2016), Kilow’Art (Kilowatt Festival, Sansepolcro, 2015), Apulia Land Art Festival (Ostuni). È stato finalista del Talent Prize nel 2019 e vincitore del Premio Nocivelli nel 2021.
www.instagram.com/francesco_ciavaglioli

Per Clara Luiselli l’esperienza estetica è un atto di conoscenza del reale, dell’altro e di se stessi. Lavora intorno agli accadimenti della vita quotidiana spesso apparentemente trascurabili, che si fanno metafore dell’impermanenza, della mutazione e della fragilità dell’esistenza. L’opera nasce e vive nella relazione con l’altro. Tentativi (2022) è un ricamo che richiama antiche memorie e disegna una mappa immaginaria. Segni come strade che portano all’incontro con Giuseppe Jos Olivini che li fa propri, riscrivendoli come partitura. ariAdnæ è una cartografia sonora in cui “le tracce dei cammini si aggrovigliano e si annodano, poi si sciolgono nella voce delle corde, dei fili”. I suoni sono un’onda che “sommerge i rumori, che riemerge tra rumori, che ne è erosa, che li elide” mescolandosi al vissuto  quotidiano e accompagnando lo spettatore nel suo percorso.
Rossella Moratto

Tentativi

Tessuti di lino quadrati, sospesi attraverso sottili filamenti.

Alcuni chiusi, quasi accartocciati, altri cercano di sbocciare, di dispiegarsi.

Sulla superficie sottili tracce che paiono evocare mappe di pianeti immaginari, isole sfaccettate, luoghi del desiderio.

In origine erano tessuti tesi, bianchi, vuoti, luoghi di silenzio, spazi in attesa di un significativo atto creativo.

Un’azione semplice, “stropicciare” il tessuto, permette alle tracce di emergere dal nulla.

Il gesto di accartocciamento offre l’opportunità ai segni di sorgere e diventare visibili attraverso il gioco di luci e ombre.

Il filo ricama la geografia immaginaria, in parte suggerita dalla materia stessa e in parte frutto della scelta artistica.
Clara Luiselli

Giuseppe Jos Olivini – 0ortanub0

ariAdnæ 

Un tentativo di cartografia sonora

Il labirinto si apre al suo passaggio. Il suono introduce, conduce, cuce.

Le ragnatele geometriche di binari, linee, passaggi, le traiettorie di passanti, passi, sguardi si incontrano col f-i-l-o-d-i-A-r-i-a-n-n-a.

Dal gesto a stringere di una mano attorno a un mondo a due dimensioni, nasce la terza e il tracciato diviene mappa per altri tentativi di viaggio. Nell’ abbraccio tra passi cuciti e rulli forati tintinnano le voci di un bosco, inaccessibile nel suo rigore, voci che accolgono nuovi canti sospesi. Le tracce dei cammini si aggrovigliano e si annodano, poi si sciolgono nella voce delle corde, dei fili. La selva sonora è onda che sommerge i rumori, che riemerge tra rumori, che ne è erosa, che li elide. Il labirinto è piccolo e armonico.
Ci si può perdere trovando la strada o (ri)trovarsi perdendola.
Giuseppe Jos Olivini
www.giuseppejosolivini.weebly.com

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www.instagram.com/0ortanub0

Il video  ariAdnæ making of è disonibile a questo link  vimeo.com/809857713

Ascolti 

Sulla piattaforma Soundcluod è possibile ascoltare una selezione di composizioni, soundscapes e creazioni sonore realizzate tra il 2018 e il 2023.

soundcloud.com/user-663336046-861074070

Clara Luiselli  Si laurea nel 2000 all’Accademia di Belle Arti di Bergamo.
Sue opere sono state esposte in diversi spazi pubblici e privati tra i quali: Chelsea Art Museum di New York, MAK di Vienna, MUAR di Mosca, GAMeC di Bergamo, GAM di Genova, Museo delle Culture del Mondo di Genova, Fondazione Bevilacqua la Masa di Venezia, Galleria Viafarini di Milano, Galleria Klerkx di Milano, Galleria Civica d’Arte Contemporanea Montevergini di Siracusa, Galleria Traffic di Bergamo, Nellymya Arthouse Gallery di Aranno e Lugano, Galleria Koma di Mons (Belgio), BACO di Bergamo, Fondazione Bernareggi di Bergamo, Teatro Valle diRoma, Galleria Vanna Casati di Bergamo, Goethe-Universitat Institut di Francoforte. Ha partecipato alla Biennale di Venezia Padiglione Italia/Accademie, alla Biennale dei Giovani Artisti d’Europa e del Mediterraneo di Roma e Sarajevo, Nel 2001 ha vinto il premio Targetti Art Light e il premio Open 2017 per Pergine Spettacolo Aperto.
https://claraluiselli.weebly.com
www.instagram.com/clara_luiselli

Realizzato nel 1981, in pieno clima di recessione economica e crescente tensione serpeggiante in UK sotto il governo della Lady di ferro Margareth Thatcher, il manifesto, uscito con la ristampa dell’album dei Crass The Feeding Of The 5000, è quasi profetico, anticipando la guerra delle Falkland che sarebbe scoppiata l’anno seguente.

Your Country Needs You  riprende il noto manifesto propagandistico britannico di reclutamento per la Prima Guerra Mondiale ma qui Vaucher trasforma l’autoritario dito puntato verso il potenziale volontario in una mano carbonizzata appesa al filo spinato. Un memento mori che svela la violenza e l’orrore della guerra celate sotto al messaggio patriottico.

Convinta della potenzialità delle immagini come strumento di denuncia e di presa di posizione politica e sociale, Vaucher ha sempre prediletto scelte iconografiche incisive e radicali trattate con attitudine  dissacrante  per dichiarare la sua  visione femminista, antimilitarista e antimperialista. La sua critica all’esistente si esprime visivamente con uno stile grafico sperimentale e immagini crude realizzate però con una tecnica raffinatissima: i suoi lavori iperrealisti, che a prima vista possono sembrare collage fotografici, sono in realtà dipinti a mano con chine, matite e pennelli e con un’attenzione miniaturistica ai dettagli.
Rossella Moratto

Gee Vaucher (Dagenham, Londra, 1945) è un’artista visiva e una  filmaker. Si è formata alla South-East Essex Technical College and School of Art. Qui ha incontrato Penny Rimbaud con cui ha fondato la casa editrice Exitstencil Press, tutt’ora attiva, che ha prodotto di numerosi progetti creativi legati al gruppo d’avanguardia Exit,  appartenente al  movimento Fluxus degli anni Sessanta, fino al punk, alle sperimentazioni jazz dell’Academie de Vanities e all’organizzazione di mostre multimediali, eventi e concerti. Nel 1977 ha fondato insieme a Rimbaud i Crass, tra le più note band anarco-punk, attiva fino al 1984, per la quale Vaucher  ha disegnato poster e copertine che sono diventate riferimento per la comunicazione antagonista e l’estetica punk. Nei tardi  anni settanta ha fondato con Rimbaud nell’Essex (UK) The Dial House, una comunità anarchica e pacifista, centro per la creatività radicale.

Tra le sue pubblicazioni Crass Art and Other Pre Post-Modernist Monsters (1999) e Animal Rites: a pictorial study of relationships (2003). Ha realizzato il film Gower Boy (2006).

Cosa raffigura un ritratto? L’effige di una persona, così come l’artista l’ha pensata e realizzata in un dato momento, una visione parziale, un aspetto della nostra personalità. Margherita Mezzetti indaga la complessa costruzione dell’identità in ritratti composti da più lavori che raffigurano dettagli del soggetto – parti del corpo reali o immaginarie, abbigliamento – utilizzando diversi media (pittura, scultura, fotografia).
Evoca una storia per immagini che emergono come memorie dall’inconscio, frammenti che si ricompongono in un racconto fantastico allusivo e indefinito “intorno” al soggetto che ognuno può ricostruire a suo modo, consci che siamo “uno, nessuno e centomila”, perennemente riflessi nello sguardo dell’altro.
Il ritratto travalica così la dimensione personale fortemente presente – i modelli sono parte della cerchia dell’artista, amici o semplici conoscenti – per diventare generazionale. So soft and uncompounded is this Heart of Stone (2022) è parte di una galleria di fisionomie e di storie, come quella di questa ragazza di cui nulla sappiamo per certo: angelo o demone, sempre sfuggente, che testimonia il suo essere molteplice. Un’identità non più univoca che ha superato il tradizionale concetto umanistico di personalità per una soggettività complessa, contingente e fluida, sempre più disincarnata.
Rossella Moratto

Margherita Mezzetti è nata a Siena nel 1990, vive e lavora tra Venezia e Milano. Si è laureata in pittura e arti visive all’Accademia di Belle Arti di Venezia. È cofondatrice e membro attivo dell’artists-run space BARdaDino di Venezia. Recentemente è stata tra gli artisti residenti a VIAFARINI, Milano. Ha esposto presso: AplusA Gallery (Venezia), Manuel Zoia Gallery (Milano), Galerie Italienne (Parigi), Tommaso Calabro Gallery (Milano), Superstudiolo (Bergamo), Marina Bastianello Gallery (Mestre, Venezia), Vulcano Agency (Marghera, Venezia), Candy Snake Gallery, (Milano).
www.margheritamezzetti.com
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“L’opera è un layer che nasconde la realtà retrostante della vetrina, formato da un impasto di materiali appartenenti alla Natura: terra, ruggine, carbone, muschio. Con la sua identità si trasforma la realtà e quello che con sorpresa potrebbe essere celato dietro di essa. L’inatteso, il sospeso, il non lineare, la Contemporaneità del quotidiano in cui tutto potrebbe essere chiaro e che invece spesso così non è.” (Lorenzo Guzzini)

La trama materica con cui Lorenzo Guzzini ricopre la vetrina trasforma lo spazio abitualmente vuoto, disponibile e neutro del display in una presenza autoreferenziale, indifferente e muta, quasi ingombrante, che si impone rivelando solo se stessa. Una configurazione inafferrabile ed enigmatica che ci interroga sulle nostre abitudini e aspettative legate ai luoghi che quotidianamente attraversiamo. Nello stesso tempo Guzzini sposta l’attenzione sull’entità fisica della materia informe al suo grado zero – materia prima, appunto –, campo di forze dove avvengono spontanee concentrazioni e rarefazioni interne e incontrollabili trasmutazioni. Uno spazio caotico, senza un centro, luogo di accadimenti e possibilità in espansione potenzialmente infinita, riflesso microcosmico dell’universo.
Rossella Moratto

Lorenzo Guzzini è nato a Recanati nel 1983. Laureato in Architettura all’ AAM in Svizzera, ha vissuto e lavorato in Inghilterra, Irlanda e Portogallo, attualmente con studio-atelier a Milano.
La sua attività professionale combina arte e architettura, in una ricerca sui volumi e sulla luce, sulla materia e sulle geometrie elementari che trovano il loro significato negli elementi e nelle idee che li formano. Nessun ambito prescinde dall’altro, nella ricerca costante della sorpresa nella semplicità. Vincitore del premio “Giovane artista 2016” al Museo M.A.X., vincitore della selezione per la Biennale under 35 JCE Jeune Creation Europeenne, 2017-2019, Parigi Montrouge, Direttore artistico del Festival Internazionale di luce “8208 Lighting design Festival di Como, selezionato per la residenza artistica in Amarante al “Museo Amadeo Souza Cardoso, Portogallo.
www.lorenzoguzziniarchitecture.com
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SUBPLACE inaugura lo spazio-vetrina nel mezzanino della Stazione del Passante Ferroviario di Villapizzone con la videoperformace di Clara Scola minuti di scomodità n.1.

La stazione di Villapizzone è uno snodo importante del trasporto suburbano e regionale, utilizzata da migliaia di pendolari che gravitano giornalmente su Milano per ragioni di studio o lavoro. Il pendolarismo è fenomeno sociale che influisce pesantemente sulla vita delle persone, costringendole a ritmi e dinamiche che spesso provocano stress e stati di nervosismo elevati. È una condizione che impone adattamento, capacità di sopportazione, determina ritmi di vita, espone all’imprevisto, ma è anche spazio di socialità.

minuti di scomodità n.1 di Clara Scola, vede protagonisti quattro performer che mettono in scena una danza muta in un vagone del passante ferroviario diretto a Varese. Il loro unico scopo è quello di ricercare incessantemente una situazione di comodità, tanto utopica quanto impossibile da ottenere. Per tutta la durata del viaggio incastrano i loro corpi nello spazio ristretto dei sedili, sperimentando posizioni di costrizione fisica ai limiti del contorsionismo. Ogni spostamento viene ritmato esclusivamente dai rumori del treno in movimento, palcoscenico ideale della paradossale parodia atletica del viaggio suburbano quotidiano, tra incubo ad occhi aperti, virtuosismo fisico e body art.

Rossella Moratto

Clara Scola (Lecco, 1994), è curatrice indipendente e artista visiva attiva sul territorio nazionale. È coordinatrice di Giacomo, spazio espositivo e didattico dell’Accademia di Belle Arti G. Carrara di Bergamo ed è stata art director di AnonimaKunsthalle, spazio no profit situato a Varese. Nel 2017 si laurea in Nuove Tecnologie per l’Arte Contemporanea presso l’Accademia di Belle Arti G. Carrara di Bergamo. Successivamente segue il biennio di Visual Cultures e Pratiche Curatoriali presso l’Accademia di Brera, conseguendo la laurea nel 2021. Dal 2020 è co-fondatrice di AWI – Art Workers Italia, associazione che si occupa di tutelare i diritti dei lavoratori e delle lavoratrici dell’arte contemporanea.
www.instagram.com/scolapendraa